Hela San estrena su nuevo sencillo “Sangre”

“La Sangre”, el más reciente sencillo de la cantautora tapatía Hela San, es una canción de resistencia, de tristeza pero también de esperanza, escrita desde la voz de quien busca a alguien que ha desaparecido, o de quien espera el regreso victorioso de quien ha ido a luchar. “La Sangre” es la canción que da nombre al álbum, que será su primer LP después del lanzamiento de su EP Humana a mediados de 2020.

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“La canción nació como un coro que escuchaba en mi cabeza, que sonaba épico y al mismo tiempo triste y oscuro [“la sangre se aquieta al mirarte / y como el río vuelve a su caudal”. Me tardé semanas en entender de qué tenía que hablar. Fue una noche en que me enteré que el hermano de una amiga había desaparecido, para regresar a salvo horas después, que sentí la necesidad de escribir una especie de carta, imaginando lo que le diría si fuera su hermana y la paz de verlo llegar con bien después de horas de incertidumbre,”.

– Hela San

La producción del track es de Rodrigo Barbosa, productor y director musical de Hela San. La grabación, mezcla y masterización, fueron igualmente hechas por Rodrigo Barbosa en el estudio Perro Azul del colectivo Casa de Maniobras en Zapopan, Jalisco durante los últimos meses de 2020. Cuenta con Luis Romero Melis (Ray Coyote) como invitado especial en la guitarra.

La canción llega acompañada de un video realizado por Jonás González-Illoldi, con quien Hela San ha colaborado anteriormente. El video retrata el espíritu de la canción, con imágenes que representan la pérdida y la tristeza como seres que habitan nuestra cotidianidad y es el 2do capítulo de una serie de obras audiovisuales que cuentan la historia del álbum.

Cozy nos manipula con su nuevo e impactante sencillo

Cozy, el artista sin rostro y también conocido como “lo mejor de lo peor”, regresa para empezar a revelar poco a poco su identidad, la cual hasta el momento ha sido un misterio. Esta vez vuelve con su nuevo sencillo titulado “Manipularme”, canción en la que se narra la historia de una relación tóxica basada en hechos reales.

Según Cozy, “Manipularme” es una canción en la que cuenta un poco sobre una relación que vivió hace un tiempo donde todo empezó a girar alrededor de la manipulación por parte de su ex. “Mi ex intenta reparar la relación rota con la manipulación en mis puntos débiles, pero yo resisto y no dejo que pase”, comenta el artista.

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Cozy es un cantante, compositor y productor nacido en Guayana, Venezuela, radicado en Medellín, Colombia. Por el momento vive bajo las sombras con su proyecto como solista, el cual inició en el 2020; sin embargo, su trabajo como productor se ha visto reflejado en temas para artistas como Yandel con Maluma, Jhay Cortez, Fuego y más. Cozy espera convertirse en una de las nuevas propuestas del género urbano alternativo.

En sus primeros lanzamientos titulados “De Mí” y “Distancia” el artista ha contado con la participación de DVLP, Chiky y Josh Gudwin quienes han trabajado para artistas reconocidos a nivel mundial como Bad Bunny, J Balvin, Justin Bieber, Dua Lipa, Rihanna, Juanes, Becky G, Pedro Capó, Britney Spears, Lil Wayne y más.

A su vez Cozy ha sido una de las mentes detrás de éxitos como “Que Vas Hacer” de Yandel junto a Maluma, “Ponme Al Día” una colaboración de Jhay Cortez, “Mojada” de Fuego, “Suave” de Matt Hunter & Corina Smith, entre algunos otros más.

La canción está acompañada de un videoclip dirigido por Luis Miguel Leal y César Rodríguez, en él se ve al artista en un lugar aparentemente embrujado donde empiezan a aparecer los fantasmas de sus relaciones pasadas quienes intentan seducirlo.

En palabras de Cozy, el mensaje detrás de este nuevo sencillo y de su videoclip es: LIBERTAD.

“Quiero que la gente se sienta libre de pensar que podemos ser mejores incluso en nuestra peor versión”.

– Cozy

“Manipularme” ya se encuentra disponible en todas las plataformas de streaming de música.

Sofia Kourtesis lanza su nuevo sencillo, “By Your Side”

La artista peruana, Sofia Kourtesis, lanzó “By Your Side”, la segunda canción que formará parte de su nuevo EP, “Fresia Magdalena” el cual será lanzado el 19 de marzo a través de Technicolour (una impresión de Ninja Tune).

Este tema sigue a “La Perla”, que recibió una excelente crítica de Pitchfork, describiendo el sencillo como “de alguna manera íntima y vasta a la vez, es como una vista de postal del infinito: solo olas, viento y luz brillante hasta donde el ojo puede ver”.

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Hablando de la canción, Kourtesis dice: “‘By Your Side’ se trata de tener a alguien ahí cuando más lo necesitas. Fue uno de los primeros temas que grabé para Fresia Magdalena y se grabaron muchos sonidos y samples en Lima, Perú y sus alrededores. Para mí, es una de esas canciones que pone la banda sonora a los últimos momentos de la luz del día.”

Después de su EP Sarita Colonia – que apareció en la lista de Pitchfork ‘Great Records You May Have Missed: Winter 2020’ y nombrado el EP #4 de Gorilla Vs. Bear del año pasado – continúa perfeccionando su sonido singular, utilizando muestras astutamente seleccionadas y un alegre sentido de la personalidad para hacer algo completamente contagioso. 

Aunque está indiscutiblemente presente en toda su obra, Fresia Magdalena está más arraigada que nunca en el Perú natal de Kourtesis. En uno de sus viajes prolongados a casa, el proceso de hacer el EP comenzó con la recopilación de grabaciones de campo en la ciudad de Lima donde vive actualmente su familia y específicamente Magdalena, su distrito. “Miro las canciones como un collage”, dice, “pongo todas las muestras al frente y creo música a su alrededor.” Luego, terminado entre Perú y Berlín, el resultado encuentra ambos aspectos de su vida sangrando sin esfuerzo en su música y entretejidos en torno a temas y una amplia gama de estilos que se mantienen universales

Desde el estruendo áspero y palpitante de “Dakotas” hasta el ritmo centelleante de “By Your Side” y la euforia de “La Perla”, la capacidad de Kourtesis para fluir naturalmente de un estilo a otro, aunque siempre con la mirada puesta en el regreso a la pista de baile, es siempre evidente aquí. Sin embargo, temáticamente, su mensaje es simple y directo. “Fresia Magdalena se trata de activismo”, dice, “se trata de hacer cambios positivos, estés donde estés”.

Kourtesis, una voz apasionada por el bienestar de la comunidad, atribuye aquí este mensaje a la persona que más la inspira. “Fresia es el nombre de mi madre”, dice, “toda su vida ha luchado duro por la gente de Magdalena, Perú. Este es mi homenaje para ella y los otros activistas de todo el mundo que trabajan duro para mejorar la vida de los demás. Nosotros, como músicos tenemos la responsabilidad de ayudar a nuestras comunidades a que se escuchen sus voces, se necesitan cambios.”

Un guiño a otra figura significativa tanto para Kourtesis como para cualquier voz no escuchada, el arte del EP traza una elegante línea entre el anterior EP Sarita Colonia y este. “Ubicado en una de las favelas más grandes de Lima, el Cementerio Baquijano del Callao contiene un hermoso homenaje a Sarita Colonia, la Patrona de los Pobres”, recuerda Kourtesis, “ella es un ícono en Perú y la voz de los subrepresentados. Tener acceso a este cementerio es desafiante ya que no todo el mundo puede entrar en una favela, pero después de algunas negociaciones logramos acceder.” Al igual que la música en sí, estas imágenes se combinaron para crear algo sorprendente y nuevo.

Fresia Magdalena no pierde nada de su impacto cuando se toma en su nivel más superficial: una colección de música de baile vibrante que se mete bajo la piel y te levanta el estado de ánimo con detalles distintivos que la separan de los demás. Sin embargo, lo que realmente lo hace único es la vida que burbujea bajo la superficie de la colección. Las influencias, pasiones y relaciones de Kourtesis como persona están detrás de cada momento: un feroz llamado a la acción suavizado y presentado con la calidez de la familia y el hogar.

Devil In The Woods: El Sello Que Busca Impulsar Nuevos Talentos

Devil In The Woods fue fundado a finales de los 80 por el adolescente amante del indie rock Mike Cloward, en el transcurso de las siguientes dos décadas y media, el sello ha sacado más de 150 lanzamientos de artistas de todo el mundo, así como una gran cantidad de excelentes discos de futuras leyendas como Grandaddy, Death Cab For Cutie, Sparklehorse, Of Montreal y Bright Eyes. El sello se expandió hasta convertirse en una revista impresa muy apreciada por estar a la vanguardia de la escena indie-rock del nuevo milenio, pero al igual que muchas disqueras y medios impresos, la era digital los afectó y los nuevos tiempos proporcionaron el momento para presionar el botón de reinicio.

Un viaje a la Ciudad de México y un clavado en su vibrante escena de rock underground revitalizaron su pasión y surgió un nuevo entusiasmo. De la misma manera que escuchar a sus talentosos amigos lo llevó a comenzar un sello, escuchar estos nuevos sonidos lo dejó con el deseo de compartir esta cultura con el resto del mundo. La disquera renació.

Con un ambicioso calendario de lanzamientos planeado, el sello continuará con su mandato de contratar artistas nuevos y establecidos. “Es importante que sigamos conectándonos con buenas personas que estén dispuestas a trabajar tan duro como nosotros para que sus carreras sean un éxito”, añade Cloward.

Devil in the Woods es un grupo de individuos que trabajan arduamente con intención honesta y dedicación 24/7 para los artistas que representan. Con más de 40 años de experiencia, ayudan a sus artistas en su carrera musical con la intención de alcanzar el éxito en el cambiante mundo de la música. Devil in the Woods sigue trabajando para convertirse en un referente de las disquera independientes en México al contar con una gran variedad de los mejores artistas de indie rock que LATAM ofrece. 

En 2021, DIW continúa con su misión a través de los siguientes lanzamientos, colaboraciones y firmas, entre muchos otros:
– Parque de Cometas se une a DIW
– Lanzamiento del compilatorio “Espacios Vacíos” en colaboración con NRMAL, curado por DIW
– Participación en SXSW

Viajemos al futuro con “Video Store”, el nuevo tema de DATAROCK

Tras la industrial “Digital Life” y la inspirada en Madchester “Tick Tock”, los noruegos DATAROCK regresan con “Video Store”, un nuevo sencillo impulsado por sintetizadores con un sonido que parece salir directamente de la banda sonora de una película futurista de los 80 en el 2021, dirigida por Luc Besson o John Huges.

Por primera vez en la historia, el arma secreta de la banda, Stig The Mystical Casio Operator, se acredita como co-compositor. Pero por tercera vez en su trilogía, tanto Steve Dub como Mike Marsh mantienen el sonido de DATAROCK firmemente en la tierra.

“Video Store” se grabó en Bergen en el estudio de la banda, YAP HQ, pero fue mezclado en Liverpool por el pionero Steve Dub, conocido por el sonido de The Chemical Brothers, UNKLE, Roots Manuva, New Order, The Prodigy, Leftfield, Primal Scream, Orbital, Underworld y Moby. Steve Dub incluso ganó el Grammy al mejor álbum electrónico en 2019 con No Geography de The Chemical Brothers. El material fue luego masterizado por una leyenda: Mike Marsh, quien ha trabajado con todos, desde Björk, Massive Attack, The Chemical Brothers, Stereo MC’s, Basement Jaxx, Oasis, The Prodigy y Depeche Mode hasta Calvin Harris.

DATAROCK sigue siendo un fenómeno global, evidente en sus 20 millones de streams y 120,000 oyentes mensuales en Spotify, 15 años después de su debut. Otro indicador es la cantidad de fans que sintonizaron el livestream de DATAROCK el 6 de abril de 2020: más de 60.000 personas se registraron en varias plataformas para disfrutar del concierto en línea de Bergen.

Sin embargo, como tantas bandas excepcionalmente extrañas, DATAROCK sigue siendo DIY. Están firmados exclusivamente con su propio sello YAP y, con la ayuda de amigos y colaboradores de toda la vida como Thomas Paulsen en Standing Ovation y Mikal Telle en Made Management, todavía hacen casi todo por sí mismos.

Baby Queen presenta su nuevo sencillo “These Drugs”

La realeza anti-pop en ascenso, Baby Queen, comparte hoy la nueva canción “These Drugs” junto con un video de la canción. Lanzado vía Polydor Records, “These Drugs” es la continuación de su muy elogiado sencillo “Raw Thoughts“.

Los seguidores de Baby Queen sabrán que considera a “These Drugs” como una de las canciones más importantes que ha escrito hasta la fecha. Ferozmente honesta e inquebrantablemente directa, anuncia la llegada de una nueva era en el Baby Kingdom, tras el lanzamiento de su EP debut Medicine el año pasado.

Hablando con franqueza típica, Baby Queen, también conocida como Bella Latham, de 23 años, dice:

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“Escribí esta canción cuando estaba en un lugar realmente malo, que se caracterizaba principalmente por la idea de que no era una buena persona y no merecía cosas buenas. Creo que durante tanto tiempo, hubo tantas partes de mí misma que me negué a reconocer o prestar atención, y cuando ignoras tu propio dolor o te niegas a enfrentar tus errores, puedes meterte en un ciclo autodestructivo, que es en última instancia lo que terminó sucediendo. Creo que el escapismo es necesario y todos encontramos nuestro escape en diferentes lugares, pero algunos son más saludables que otros. Sabía que estaba arriesgándome cuando decidí ser tan incómodamente honesta con estas letras, pero también sabía que tenía que compartir esta historia con la gente porque todos tenemos ‘cargando algo’ en la espalda y la autodestrucción no llega a ser ajena a nadie. Realmente quiero que la gente sepa que les espera una vida mejor si lo eligen. Si puedes aprender a quererte a ti mismo y aprender a comprenderte y aceptarte; cada parte de ti mismo (incluso las más oscuras), entonces no sentirás la necesidad de huir. Realmente tienes la fuerza para construir la vida que quieres vivir, y creo que puedo ser una prueba de ello para alguien”.

El video de “These Drugs” también se lanzó hoy. “La idea del video musical surgió de la primera línea de la canción, que es una de mis letras favoritas que he escrito: ‘Ya no quiero consumir drogas. Si me vieras a través de los ojos de un baño , se te pondría la piel de gallina’Me obsesioné mucho con la idea de ver a alguien solo a través de los ojos de diferentes baños. Creo que si alguien viera imágenes mías en todos los baños de Londres en los que he estado, vería algunos de los momentos más eufóricos de mi vida, así como algunos de los más oscuros, y realmente quería recrear eso. Se me ocurrió la idea de construir cuatro puestos de baño completamente diferentes con diferentes energías y narrativas, y permitir que las acciones sucedan naturalmente dentro de cada uno”, dice Bella. “Estoy muy orgullosa de este video, porque fue dirigido por mi genio director creativo en Polydor, Semera Khan y mi increíble comisionada creativa Saorla Houston. Realmente creo en ellos y creo que son increíbles, así que una noche dije ‘chicos, ¿por qué no lo hacen? ¿Por qué no hacemos esto juntos?’ Es la mejor sesión que he tenido en el set”.

Por muchos aclamada como LA artista a seguir en 2021, la legión de superfans de Baby Queen sigue creciendo. Entre los que alaban el talento de la cantante londinense nacida en Sudáfrica se encuentran Jodie Comer y Olivia Rodrigo, quienes recientemente dijeron: “Estoy obsesionada con Baby Queen, creo que ella es tan ruda y no puedo esperar a ver qué más de lo que hará en su carrera”. Courtney Love usó su Instagram para proclamar: “Letras TAN buenas. Coros TAN buenos. Imágenes TAN buenas. Carajo, SÍ”.

Viajemos a un día como ayer, con el nuevo video de Agua Dulce

Agua Dulce previo a la publicación del álbum el próximo 5 de marzo revela el vídeo del sencillo Un día como ayer que es un extracto de la sesión en vivo (Grabada en diciembre del 2020) la cual presenta el primer larga duración del cuarteto originario de Guadalajara.

Con la esencia jazz y el acercamiento a géneros como el pop y rock, Un día como ayer toma a la trompeta de Jerry Townson como protagonista, acompañada de la dulce melodía que entrega la guitarra de Chen, uniéndola al perfecto ensamble de batería y bajo de Eric Hernández y Juan Ayala.

“Un día como ayer es un tema que compuse muy al principio de la pandemia, se trata del deseo de volver al ayer, pero sobre todo de cómo encontrar fuerza en los recuerdos. Es un sentimiento recurrente para mí y puedo percibir que para muchos, nos ha hecho apreciar el pasado y ojala nos ayude a aprovechar el presente y el futuro”.

Chen Quintero (Compositor y guitarrista en Agua Dulce)

Chen (guitarra), Terry (trompeta) Juan (bajo) y Eric (batería) con Música tranquila para tiempos violentos intentan inspirar al escucha y adentrarlo introspectivamente en pensamientos positivos, buscando hacer contrapeso con la realidad violenta y llena de ansiedad que vivimos en la actualidad.

Los temas del álbum próximo a estrenarse fueron compuestos a través de la guitarra de Chen Quintero durante la etapa de aislamiento a causa de la pandemia por COVID-19.

“Este es un trabajo que te permite voltear a ver tu interior y platicar contigo mismo, replantearte la vida y tus decisiones”. Esta pausa me permitió redefinir mi manera de componer. Me hizo buscar hacer música con un mensaje claro. Transmitir la paz que nos hace tanta falta”

Chen Quintero

Kaleema nos lleva a una caminata primaveral con su nuevo sencillo “Ololiuqui”

“Ololiuqui”, el nombre náhuatl de una flor nativa de América, es el equivalente sonoro de una caminata primaveral de medianoche junto a un río. Inspirada en la naturaleza y sus misterios, la canción evoca imágenes de ríos de cristal que fluyen constantemente, lo que representa para la artista un “útero luminoso que abarca toda la creación.” La voz de Kaleema, meliflua y única, es la pieza central de la canción, flotando sobre xilófonos que se complementan con preciosos arreglos de cuerdas. Sobre la base de esas melodías etéreas hay un ritmo seductor que atrapa a “Ololiuqui” en nuestros oídos, y también a cualquier oyente en el hermoso mundo que Kaleema ha construido con su texturizada electrónica.

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Kaleema es Heidi Lewandowski, una multiinstrumentista, compositora, productora y cantante de Buenos Aires que se ha plantado profundamente en la potente escena electrónica latinoamericana.

Lanzó su álbum debut, Nómada, en 2017, recibiendo una variedad de elogios de la crítica por la forma en que entrelaza hipnótica elementos electrónicos contemporáneos y música instrumental latinoamericana tradicional. Desde el lanzamiento del álbum, ha tocado en escenarios como MUTEK Montreal y Lollapalooza Chile y ha colaborado con artistas como Chancha Via Circuito, Mateo Kingman, Lido Pimienta, y muchos más.

“Ololiuqui” es el segundo sencillo de Útera (2021), el segundo álbum de estudio de Kaleema que se estrenará próximamente a través de Wonderwheel Recordings.

The Weeknd deja un sabor agridulce con su Show de Medio Tiempo

El 12 de noviembre del año pasado la NFL y Pepsi hacían oficial el anuncio de que The Weeknd iba a ser el encargado de amenizar el Halftime Show del Super Bowl, una noticia que dejaba expectativas muy altas tomando en cuenta lo que ha venido haciendo en los últimos meses en cuanto a la promoción de su nuevo álbum, sin embargo, no logró cumplir las expectativas.

El show inició en lo que parecía ser un set muy impresionante el cual jugaba con nuestros ojos al mostrarnos que nada era lo que parecía, un nuevo visual de figuras geométricas acomodadas de tal modo que lograban un mundo explode en los televidentes. Seguido de esto veíamos como se trasladaban las cámaras hacia la escenografía instalada en el estadio donde veíamos a parte de los bailarines como si fuera una sexta tipo ku klux klan haciendo alusión a una historia del tipo apocalíptica fusionada con el estilo robótico de Daft Punk en la que solo faltaba que se pusieran a cantar Amadeus.

Al iniciar la interpretación de Starboy se abría la escenografía para darle paso a Abel, quien desde el primer momento, hasta el final, mantuvo el mismo vestuario que hace alusión a su último material discográfico. Comenzaba a cantar mientras todos esperábamos que empezarán a llegar las sorpresas con algún invitado o momento inesperado dentro de la presentación, cosa que no ocurrió.

Terminaba de cantar ‘I Feel It Coming’ cuando de repente se volvía a abrir la escenografía. Todos pensábamos que ahí entraría alguien inesperado, ya fuera un bailarín o alguien más, pero no, en su lugar vemos como The Weeknd entra para interpretar ‘I Can’t Feel My Face’ en un cuarto lleno de espejos el cual hace alusión al encierro por el que hemos estado pasando desde hace casi un año, esos minutos resultaban confusos para la mente, ya que los movimientos de cámara tan abruptos provocaban que cualquiera de mareara por tratar de seguir la toma y no perder ningun detalle.

Algo que si debemos reconocer es la forma en la que tratan de ocultar loas posible la cámara, la manera en la que son insertan dentro de la historia para poder sentir que estamos ahí en primer plano, por más que generará mareos, en ningún momento se alcanza a ver al camarógrafo. No me quiero imaginar por lo que tuvieron que pasar mientras ensayaban, vuelta tras vuelta han de haber conseguido un estómago de acero para evitar vomitar.

De repente empieza a cantar Earned It, la cosa se empieza a poner cachonda mientras esas mentes perversas empiezan a imaginarse una escena tipo “50 Shades Of Grey”, nuevamente, nada nuevo sucede, solo un popurrí de éxitos de The Weeknd.

Se trasladan las cámaras a la cancha principal, es aquí cuando vemos que no invirtió mucho en escenografía, ya que le facilitaron tanto las cosas al staff que literal no había nada sobre la cancha, y es aquí cuando, por fin, empieza a cantar ‘Blinding Lights’ su más exitoso tema y con el que esta rompiendo records por todos lados. Si tú como yo usas Tiktok (por cierto, síguenos como @hgmediamx) era aquí viendo esperábamos ver por lo me os un fragmento de ese bailecito que se hizo super mega viral y… Obviamente no sucedió… en su lugar vemos a muchos bailarines a lo largo y ancho de la cancha con los mismos trajes haciendo una coreografía x… ¿Te diste cuenta que el círculo que formaron al final era como cuando hacías bailables en la primaria? Con un círculo más abstracto que una pintura de Picasso. Es aquí cuando acaba y todos nos preguntamos “¡¡¿Eso fue todo?!!”, ¿Donde quedó la promesa de un soy único e inolvidable?.

No ofrece nada nuevo, prácticamente es un popurrí de éxitos en catorce minutos y once segundos. Si, yo entiendo que por la pandemia no podría tener muchos aforo en su espectáculo, pero 1ie difícil era meter drones u hologramas. ¿Donde quedaron los siete millones de dólares que invirtió en el show? No creo que la escenografía haya sido tan cara.

Y ni hablemos de los errores de audio, se escuchaba más la pista que su voz, cuando debería de ser al revés. Un punto aquí fue el equipo de cámaras, todos bien coordinados y tratando de esconderse en casi todo momento de la toma, y cuando se ve a un camarógrafo vemos que también ellos tenían vestuario, algo que se agradece ya que los hace parte del show, no un adicional.

Por lo menos hubiera invitado a alguno de sus amigos que viviera cerca de Florida si es que quería evitar eso del aforo y presupuesto, con un invitado de al menos un minuto hubiera sido muy distinto todo. Y uno que otro cambio de vestuario, mínimo como Adam Levine que se quitó la camisa para atraer la atención en sus tatuajes.

En conclusión, el Halftime Show de The Weeknd no cumple con lo prometido y crea un show más del montón que pasará desapercibido en la historia.

Lore Watty muestra una “Pasión Sin Medida” por la música en su nuevo sencillo

Lorena Watty presenta su cuarto sencillo “Pasión Sin Medida”, el primer tema que formara parte de su álbum debut el cual podremos escuchar próximamente.

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Lore es una intérprete cuya voz podría encajar en cualquier género, pero el pop le
merece toda su concentración por el momento, pero no descarta la posibilidad de
que en sus próximos trabajos, experimente con fusiones de otros géneros como el
punk.

Lorena es una cantante mexicana de 19 años que trae consigo una
propuesta de pop ligero. Comenzó su preparación desde la adolescencia y el año pasado su carrera profesional se combinó con una seria formación profesional en
teatro musical, así como su prioridad, que es el lanzamiento de su primera
producción discográfica que presenta en todas las plataformas digitales de forma
pausada para que cada sencillo sea lanzado de forma unitaria.

“Pasión sin medida” es el sencillo que abre su álbum debut, en cuya letra Lore tiene como
cometido conectar con más jóvenes aparte de su generación, porque justo a los 19
años, todo es posible y sin medida, por la simple gana de vivir la vida.
La intérprete buscó proyectar su vida a través de “Pasión sin Medida”
pretendiendo simbolizar el ser auténtica, sin importar el qué dirán.
Lorena se involucró en todos los niveles de producción de su material, tanto en
letras como arreglos musicales, lo que hace de su música sea un contenido íntimo
para compartir con las nuevas generaciones.